发布日期：2026-01-25 来源: 网络 阅读量（）
97国际-至尊品牌,源于信誉王欣，中国美术学院建筑艺术学院副教授、乌有园社创始人、造园工作室主持建筑师，独创“如画观法”“模山范水”理论，将园林作为自然与建筑的媒介进行当代转译。
在“画意构造”视野下的有关中国本土建筑学形式语言的讨论，为了一种曾经被贬抑的世界的再次呈现。
山水造园式建筑是一个超越了具体形式的存在，这里有对景、借景、框景的园林意趣，好似在山水中也完成了那个理想自我形象的塑造。
这即是中国式的山中茶亭，更如在山海之中的禅灯。隔岸观亭，建筑仿佛从古画中走来，又似在山海之中生长，却有着属于自己的骄傲。
山海禅灯追拟了宋代的“草庐”与倪瓒的“容膝斋”，那是中国士人傲骨的“小楼精神”，犹如夜空中最亮的星。
项目位于广东省佛山市，佛山又有一个极富诗意的名字——禅城，而山海禅灯正是对这种禅文化的当代解读与转译。
西樵山，是山与海的交汇处，也是南海的起源和制高点。禅灯坐落于此象征着樵山在南海“灯塔式”的历史地位。
建筑分为屋顶与山亭两部分，屋顶为山，山亭为明灯。这个建筑自成园林又自成园景，是对当地山海灯塔格局的空间物化。
顶部的六角方亭仅有两平米，可容三四人席地而坐，四周都有可向上开启的窗扇，在极小空间之中是对人动态活动的极致把握，也是拉近人与人、人与自我关系的直接空间操作，这正是对“小楼精神“的最佳诠释。
六角灯亭中，艺术家孙玥用陶瓷艺术为它点亮灯芯——多窍的云石，隐喻着文人的“傲骨”。小亭更像是一个可供冥想、会友、赏景并不固定功能的“微美术馆”，用一件艺术作品激发了方亭的磁场。
项目建于旧有廊亭，基座坡度顺应了原有屋面，在视觉上坡屋顶消解了底部建筑与上层灯亭之间的关系。
因此王欣老师评价：禅亭更像是从底部长出来的新世界，故而有着拔地而起、脱离地面的“独柱”姿态，是与过去的对话，也是废墟上的“重生”。
亭是古人对登临的向往与追求，而现代的登临似乎丧失了过程的乐趣，山海禅灯再次给我们找回古人登高望远、拾级而上的趣味。
这座禅亭的智慧并不只是在其营造内向空间本身，而是更加注重人在内部空间中走向自我，走向天地。
禅灯之所以广博而明亮不在于它的高度和空间，只因海纳百川而深广，这是真正的山水建筑，小可留住自我，大能标记历史，在方寸之间有山有水，有亭有榭。
它如同经久伫立在天地间的长明灯，不知年份，已然苔痕阶绿。它静默在那里，成为山之亭，海之幢。
身处其中我们畅想在这里吟诗作赋、围炉夜话，在烟雨蒙蒙中我们观画也自成画中人，在这里观天地，见众生，寻自己。
“洞天”生于山之罅隙之中，这里的山并不指具体的、完整的山形，而是环绕、包裹、形成高低变化的山势，是中国传统园林营造中的藏与露。
项目是一位资深赏石藏家马平川的工作室改造，室内60平米，室外露台20平米，在这个并不充裕的室内空间中感受到的反而是天地广阔，营造了具有山石景象的园林意味。
小洞天没有固定的家具，整个地面就是一件超大的家具，没有确定的属性，甚至很多台阶可坐可踏，仿佛置身园林中坐于山石之上。
其中的功能空间划分利用高差暗示，例如房间中部的会客区域，采用如盆地般下沉的策略，营造出一个向中心汇聚、具有公共属性的空间。
这种围合感最终聚焦于中央的茶几之上，用这种围炉夜话的方式拉近人与人的距离，这也为使用体验提升了更多灵活性。
建筑师为室内营造的每一处景色都起了诗意的名字：眠山之远、穿墙遁远、埋书之远、来路待远、梯云路远、天宫照远、隔山呼远、叠透洞远。
门和隔断的开合、墙体的切削无处不暗示着空间的方向性，在空间中你可能找不到一条分隔性的曲线，而建筑师正是用这种平直的形体关系创造了丰富而充满趣味性的空间。
洞之广密，即是内部的广袤包容了视觉的各向维度，墙上所有洞口的设置都有着视线穿透和框景的作用，在一个洞里呈现了与各平行世界之间的联通与关照。
置身其中，我们每个人都是大自然的客人，更明白了什么是山水建筑，什么是在一方天地中如画观法。
王澍老师曾对小洞天评价道：“这个空间完全不需要其他艺术品了。”小洞天就是一块巨大的内部化的山石，一个精妙的“松动结构”，松动，即是自然的结构，因为其松动，才有自然的发生。
建筑师将造园概念引入室内设计，形成一方自造天地，把室内当作室外，仿佛空间之间并没有分隔，而是不断延续至到尽头，这所谓“屋下之天地”。
虎美术艺术工作室，是一个一百多平米的室内设计。装修风格以淡绿色和深色木质材质为主体，地面则使用黑色引导人们将视觉中心向上关注空间。
设计师没有一味地追求大空间，甚至几乎没有过多干预空间的功能性，而是采用在室内营造亭台楼阁的方式，抽象提取中国传统元素符号，追求形式语言的统一。
建筑师用营造建筑的方式设计室内，将屋内的景致分为九个断片：街亭、待合、夜洞、团扇亭榻、折扇袖阁、衣襟洞、镜洞、幛子屋、街角。
街亭位于所有空间的核心地位，聚路人在此歇脚、聊天、闲眺、打盹，与四面相对。因此街亭的形态是各向异形的，一面带着完整的障子门立面，一面却是剖面，直接观到了内部，一面依墙，一面是巨洞。
待合，即等待相会的小亭子，实际是对街亭旁走廊细部空间的利用。这九个断片实际上是对每个设计细部或“房间”的细分拆解。
相较于传统的室内设计，建筑师把每个房间做成开敞而有形式感的空间形态，把走廊看作是通往每个空间的街道，房间的固定性被打破，在室内空间中区分内外，又不完全隔绝隔绝。
在我看来虎美术艺术工作室更像是一个巨大的展厅，每个角落都形成一处景致，尽管有些空间可能并不会按预想的方向使用，也缺乏实际的功能效用，但空间无疑引导了人们的行为。
一切看起来更像是一个个的剧场，在建筑师创造的每种不同景致中都有其诞生的人物形象，由此通过人实现对空间意境的完形。
王欣老师说：“园林以断片角隅的方式同存于茫茫宇宙之中，一个断片即是一个星球。一个断片，即是一个念想，一段梦境，同存于漫漫思绪之中。”
“空间作为展品的旁白，作为展品的新观法，成为展品精神的放大体验，将器物的场域放大，让我们得以步入坠入……我想，这是我们中国的展示方式。”——王欣
王欣老师于屋下造园，移来一片天地，让展览成为一座瞬时的园林，让观展成为游园惊梦。
在展厅入口处，你就会因迎面而来的巨大石浪而感到震撼，巨浪由瓦片堆叠而起，观赏者一步步从浪底走向浪尖，又伫立船头。
在你走向这幅宋画水图的同时，步履在由十五万片竹瓦绘建而成的“竹浪”之上，你，一样成为了展品。
当观展不再只是人与物的静态注视，而是步移景异，成为游园的过程，观展也不再是一个平面的行为，而是有翻山越岭的体验起伏。人跟人，人跟展品之间的关系瞬间发生的变化，忽远忽近，时隐时现。
仿佛我们乘着历史的巨轮浩浩荡荡向前而去，我们无法窥见一切，又因为身处集中才能感同身受，不自觉中我们也成了历史和展品中的一部分。
首先这是一个无具体意义而充满形式的空间，越往空间深处走越能发现设计的魅力，设计师用空间一边引导一边互动，将空间赋予情境，通过塑造空间的方式拉近展品与观赏者的距离。
这个展览空间与常规博物馆、美术馆不同，它不是以展品为中心的，而是以观赏者为中心，真正让展品以物的方式散落在观赏者两侧。
它们不在聚光灯下，观赏者的视野也并非只在一件展品上，而是放入了更大的历史观和格局，我们置身天地之中又物我两忘。
王欣老师讲：“竹瓦并非仅仅是一种肌理，也不限于笔法的表现。而是一种材料对情境虚设的隐喻，是一种生命集群性之齐鸣，如箫笙管弦的齐奏，如万千个秋虫的共鸣，充满了生长感的芸芸密集，是弥漫的万籁，也是一种集体建造活动的痕迹。”
在如画观法中每一件作品都有属于自己的纪念性和背后的故事，当遇见一个空间让人看见古人的生活，绘画语言正悄然向建筑语言转变。
“园林不一定要造一个世界，但一定要造出不同世界事物的相见，遇见即会出现一个世界。山水不是远远观看的对象，而是在你的周遭，如一件巨大的褶袍，成为日常起居，将你包裹。”
